Татьяна Шевченко

Выставка Татьяны Александровны Шевченко – знаменательное событие в художественной жизни России не только потому, что зритель имеет возможность увидеть первоклассные образцы подлинного искусства живописи, но и убедиться в непрекращающейся жизни великой традиции классического русского искусства, всегда основанной на духовном содержании изображаемого, на вере в высокое назначение человека, его оптимистическую устремленность в будущее.

Зародившаяся несколько столетий назад, эта традиция через творчество великих портретистов XVIII века, через этические искания художников следующего столетия, через высокую духовную жажду М.А. Врубеля, В.Э. Борисова-Мусатова и их последователей вошла и в XX век. Искусством П.В. Кузнецова и К.С. Петрова-Водкина, А.В. Шевченко и Р.Р. Фалька, Н.П. Крымова и А.В. Фонвизина она передана нашим современникам.

В нынешнее непростое для духовных исканий время мы нередко видим вместо подлинного творчества эксперименты ради экспериментов, формальные новации и холодное копирование старых приемов, подчас сталкиваемся с разрушением художественного образа, утратой гуманистического начала. Но наряду с этим здоровые корни отечественной художественной культуры живут в творчестве многих художников России.

Искусство Т.А. Шевченко отмечено высоким профессионализмом и тонким пониманием специфики живописи, то есть того, что этот вид изобразительного искусства говорит на присущем ему языке линий, цвета, тональных отношений. При этом все живописные приемы, которыми пользуется Шевченко, для нее не самоцель. С их помощью художница выражает свое отношение к миру, свои представления о людях и жизни, в которой, по ее глубокому убеждению, должны торжествовать истина, красота, добро.

Татьяна Александровна родилась 25 июня 1911 года. Ее мать – Надежда Сергеевна Шевченко-Псищева (1881 – 1913) была тонким, самобытным и, к сожалению, не оцененным до сих пор живописцем. Ее отец – выдающийся русский художник Александр Васильевич Шевченко (1883 –1948), классик отечественного изобразительного искусства.

В детстве Татьяна Александровна любила рисовать, с самых ранних лет ее окружала атмосфера творчества. Своим становлением как живописец-профессионал она, главным образом, обязана отцу, который стал ее первым и фактически единственным наставником. «Мое первое ощутимое соприкосновение с живописью, – вспоминает художница, – произошло, когда папа открыл для меня черную коробочку акварели и я увидела уложенные в ряд ослепительной красоты краски, среди которых особенно выделялись холодновато-зеленая – Польверонез! Это так потрясло мое детское воображение, что осталось в памяти на всю жизнь. Тогда возникло вполне осознанное желание что-то нарисовать, как это делает папа. А потом все было очень просто: увидела – нарисовала, получилось – не получилось...»* А.В. Шевченко учил конструктивно строить форму, используя для этого цвет, мыслить чисто пластически, без лишней иллюзорности и иллюстративности. Неудивительно, что в своих первых профессиональных работах, сделанных во второй половине 40-х годов, Татьяна Александровна обращалась к традициям позднего периода творчества своего отца, когда большую роль он придавал солнечному свету, его сложным рефлексам на предметах. Да и тематически она следовала искусству А.В. Шевченко, особенно увлекаясь миром детства.

Впрочем, большой мастер нередко предопределяет развитие художника следующего поколения. Но здесь существует и немалая опасность. Ведь так легко разрабатывать уже найденное и апробированное, использовать его открытия и завоевания, варьируя их от темы к теме! И вольно или невольно в этом случае последователя подстерегает плен эпигонства. Именно этого, как свидетельствует настоящая выставка, и удалось избежать Татьяне Александровне. Учась у отца пониманию искусства как высокого ремесла, как дела, требующего бескомпромиссного служения, уже в 40-е годы Т.А. Шевченко в некоторых работах пытается утвердить свою индивидуальность. Такие качества ее искусства, как мягкость, женственность, обращают на себя внимание в «Автопортрете» (1946). А теплое материнское чувство придает особый лиризм работе «Гоша (Портрет сына)» (1945). Можно видеть, что цвет в этих работах достаточно активен, материально и сочно лепится объемная форма, а ее живопись густая, пастозная.

С 1937 года Т. А. Шевченко участвует в выставках Московского союза художников.

Ее дальнейший творческий путь отмечен стремлением к усилению поэтической романтизации образа. Недаром художница обращается к теме театра, балета, стремясь в театральном зрелище выразить романтическую преображенность действительности. Ее работы этого периода хорошо скомпонованы, в целом сгармонизированы в цветовом отношении, однако все же романтика образов в них достигается, в основном, внешними средствами: сюжетом, темой, мотивом. Видимо, на определенном этапе своего творческого развития Т.А. Шевченко сама заметила такого рода недостатки в своих картинах и уже в начале 70-х годов не столько мотив, сколько сама переливчатая гамма красок служит передаче общего поэтического настроения. С этого времени художница все упорнее стремится заставить цвет и его оттенки доносить до зрителя богатство человеческих переживаний и эмоций.

Подлинный расцвет искусства мастера начинается в середине70-х годов. В 1974—1975 годах Т.А. Шевченко создает картины «Женщина в сером», «Портрет художника Подколзина», «Зимний пейзаж». При сравнении с более ранней работой «Девушка из Суздаля» (1971) портрет «Женщина в сером» привлекает внимание зрителя более легким живописным мазком, более суженной цветовой гаммой. Однако в ее пределах автор развертывает удивительно насыщенную жизнь красочного тона, достигая богатейших цветовых градаций и отношений, создающих ритмический строй произведения.

Чувства, выражаемые теперь в полотнах Т.А. Шевченко, внешне звучат более приглушенно, но благодаря этому делаются глубже, становятся сосредоточеннее. В самом прикосновении кисти к холсту ощущается непринужденность и легкость. Контуры, едва возникнув, тают в среде, где глаз обнаруживает тона, которыми написана фигура. Тем самым эта среда как бы проецирует в себе тончайшие и нежнейшие человеческие эмоции. Таковы женские портреты, созданные в этот период Татьяной Александровной: «Актриса» (1976), «Портрет художницы Майи Фроловой-Багреевой» (1978), «Портрет Тани Кислициной» (1979), «Портрет поэтессы Беллы Ахмадулиной» (1981), «Женский портрет в красном» (1982).

Так, в «Актрисе» уловлен момент каких-то душевных сомнений; в работе «Женский портрет в красном» внешняя уверенность в себе, выраженная устойчивостью композиции, сочетается с глубокими раздумьями о жизни и пережитом, что передается оттенками красного цвета ее одежды, то гаснущими, то снова возникающими в общем серебристо-жемчужном колорите. «Портрет Беллы Ахмадулиной» не столь устойчив по композиции, как предыдущий. Поэтесса дана в ракурсе легкого движения к зрителю. Она словно пытается пробудить в зрителе сопереживание собственному творчеству. И в то же время в ее образе переданы внутренняя незащищенность и ранимость, столь часто свойственные большому таланту. Всему этому соответствует нежный, построенный на пепельно-розовых оттенках колорит, нанесенный трепетными, легкими прикосновениями кисти.

В «Портрете пожилого человека» (1977) Т.А. Шевченко пленил внутренний аристократизм модели. Он выражен и в позе портретируемого, благодаря которой эта работа напоминает старинные парадные портреты, и в тонких, нервных чертах лица, возникающих из столь же одухотворенного своей изысканной ритмической структурой фона.

В глубокое раздумье погружен художник в одноименном портрете 1979 года. Это человек, исполненный рефлексии и даже страдающий от внутренней неуверенности. Однако глубокий, сосредоточенный взор, говорящий об активном кипении мысли, устойчивая поза свидетельствуют о незаурядной духовной силе модели. «Портрет молодого художника» (1978—1981) композиционно решен проще всех предыдущих портретов Шевченко этого периода. Но и в нем обнаруживается большая внутренняя глубина, выраженная как внешне – через взор, так и внутренне – через сложные взаимодействия цветовых масс. Столь же богатая разработка оттенков создает притягательную загадочность чувств и мыслей в «Портрете художницы Аллы Шмаковой» (1982).

Такая содержательность портретов Т.А. Шевченко начиная с середины 1970-х годов – результат глубоких раздумий над каждым из создаваемых ею образов. Как правило, работа над портретом заканчивается мастером уже без натуры. На определенной стадии работы натура становится ненужной художнице и в определенном смысле мешает ей сиюминутностью своего состояния, ведь Татьяна Александровна всегда стремится передать в портрете общее, вневременное представление об изображаемом ею человеке.

Надо сказать, что и в других жанрах искусства, к которым обращается Шевченко, натура используется лишь на начальных стадиях работы. Например, в пейзажах. Непосредственно на месте выискивается мотив, который фиксируется в маленьком этюде на картоне, а затем в мастерской уже на холсте происходит его переосмысление, подчинение определенным смысловым и живописным задачам. И натюрморты, главным образом цветы, которые начинают создаваться с натуры, затем завершаются без нее, чтобы превратиться в своеобразные живописные раздумья над миром. А в результате, в таинственной атмосфере благородных дымчато-пепельных, голубоватых, жемчужно-серых тонов на картинах Шевченко рождаются, словно возникая на наших глазах, предметы, растения, фигуры. Слаженность общего цветового решения вызывает чувство музыкальной гармонии, трогающей своей задушевностью. Само композиционное решение, всегда очень ясное и простое, в котором часто большую роль играют мотивы круга, соответствует этой гармонии. И в целом образы Т.А. Шевченко в ее пейзажах, портретах и натюрмортах вдохновенно-романтичны и одновременно причастны, приближены к человеческим размышлениям о добре, красоте и истине. Такие качества, по мнению Татьяны Александровны, должны неотъемлемо присутствовать в искусстве, ибо вином случае оно бесцельно. «В наш век скоростей, вечной спешки, в век прямых линий человеку так часто не хватает теплоты, – говорит Татьяна Александровна, – ее надо как-то компенсировать. В этом я вижу свою; задачу, свое призвание». Высокие образцы в этом смысле Шевченко находит в живописи старых мастеров, достижения которых вдохновляют ее творчество. И поэтому не случайно некоторое внутреннее родство ее портретов, в частности, с портретами Ф.С. Рокотова.

В пейзажах и натюрмортах художницы, таких, например, как упомянутый выше «Зимний пейзаж» (1974), «Весенняя пашня» (1977), «Одиночество», «Багульник» (1978), «Фантазия», «Натюрморт с коробкой», «Большой букет» (1982), «Памяти отца. 28 августа 1983 года», можно видеть точки соприкосновения творчества Т.А. Шевченко с живописью В.Э. Борисова-Мусатова, Н.Н. Сапунова, П.В. Кузнецова, Р.Р. Фалька, с некоторыми работами ее отца. Но это ни в коем случае не подражание, не имитация чужих приемов. Т.А. Шевченко в каждой работе ищет свой путь, понимая, что вне традиции не может плодотворно развиваться художник. В русле этой традиции лежат устремления художницы, которые она выразила такими словами: «Были года, когда я старалась писать похоже и красиво. В семидесятые годы пришла к тому, что нельзя писать отдельно человека, дерево, цветок, они не просто красивы сами по себе, но и связаны друг с другом невидимыми нитями, как все живущее на земле. Поэтому в пейзаже мне дорога эта гармоническая связь. Я и себя не выделяю из этой связи, мое состояние входит в общее настроение того, что вокруг. В портрете стремлюсь эту взаимосвязь увидеть в единении людей – моего портретируемого, меня со всеми людьми. Мне интересны мысли, переживания, личность сидяшего передо мной человека и то, что значит его личность для меня. Так и в пейзаже, и в натюрморте, и в портрете – стараюсь выражать чувства по поводу всего, с чем соприкасаюсь».

Объединяет творчество Шевченко с замечательными предшественниками и желание сделать образы произведений многоплановыми, исполненными метафоричности. Недаром ее работы, как правило, вызывают целую гамму ассоциаций, поскольку за внешним, видимым в них ощущается что-то поэтически недосказанное, неуловимое, приглашающее зрителя к сотворчеству. И произведения, которые написаны целиком по воображению, не превращаются в надуманные, рассудочные вещи, a нecут в себе обаяние элегичности, как, например, картина «Память об отце» (1976), где на переднем плане перед пейзажем Александра Васильевича Шевченко изображена женщина в аджарском костюме, олицетворяющая собой одухотворенное искусство этого живописца и красоту воспоминаний о нем дочери.

Оставаясь верной принципам, выработанным в течение долгой творческой жизни, Т.А. Шевченко не перестает с каждой новой работой ставить и решать новые пластические задачи. Свидетельство тому ее работы второй половины 1980 – 1990-х годов. И если в них порой художница делает попытку работать открытым цветом (так ею передается ощущение весеннего праздника в натюрморте «Праздничный букет» (1988), то в одном из последних портретов модель как бы обращает ее к пластическим устремлениям П. Сезанна и его русских последователей начала нашего века. Но всегда неизменно одно: вера в нравственную красоту человека, стремление одухотворить мир, в котором он живет, приобщить человека к непреходящим духовным ценностям.

Девяностые годы стали новым этапом в творчестве мастера. Каждая новая ее работа – натюрморт, портрет или пейзаж, становится для автора возможностью организовать волшебное цветовое поле, своими цветовыми ритмами дыханием масс разной тональной напряженности, воссоздающее эффекты, аналогичные по воздействию музыке ее любимых композиторов П.И. Чайковского, А.Н. Скрябина, С.В. Рахманинова. Эти работы художницы при мгновенном восприятии становятся как бы застывшей цветомузыкой, приобретающей временную глубину при их рассматривании и вживании в образы, рожденные кистью.

«Теперь, имея за плечами большой опыт, – говорит Т.А. Шевченко, – я думаю о творчестве, как о сложном, непредсказуемом процессе, как о некой игре-борьбе, где потаенными законами мастерства на картине из хаоса красок, находящихся в непрерывном движении, рождаются образы.

Художник вступает в эту игру-борьбу с намерением победить свое кажущееся неумение, свою слабость, возвращаясь к работе по нескольку раз, пока из плоскости холста не начнет проступать нечто самое заветное, давно ожидаемое, живое и уже любимое, свое маленькое чудо. Это выражение вашего чувства любви, плод вашего мастерства, вашей фантазии. Ради этого стоит жить и работать».

Едва ли в России найдется художник, который имел бы в течение последнего десятилетия столько персональных выставок, сколько Татьяна Александровна Шевченко. Ее работы экспонировались в Ярославле, Томске, Подольске, Челябинске, Новосибирске, Москве и Санкт-Петербурге. Многие картины остались в музейных собраниях этих городов. А книги отзывов, где зрители выразили свой интерес, понимание и любовь к творчеству мастера стали свидетельством широкого признания ее искусства, свидетельством того, что она поистине стала народным художником своей страны.

Путь ее не был легким и простым. Как человек своего времени художница вместе с народом переживала трудности и горе родной страны, трудности становления своего дарования, трудности преодоления, с которыми всегда сталкивается новое.

Творчество Татьяны Александровны Шевченко – верное доказательство правоты ее исканий, свидетельство могущества человеческого духа. Она стала – и это безусловно доказывает настоящая выставка, и широкий интерес к ее творчеству в крупнейших городах страны, где были показаны работы художницы, – прекрасным мастером живописи, мастером оригинальным и многогранным. Самое сокровенное, что хочет сказать людям художница, она выражает пластическими средствами живописи. И если попытаться одним словом охарактеризовать творчество Т.А. Шевченко, найти общее, что объединяет все ее работы, то этим словом будет доброта, которую она щедро дарит своим зрителям. А это так важно людям в наше трудное своей черствой бездуховностью время.

20 августа 1993 года Татьяна Александровна Шевченко была удостоена звания заслуженного деятеля искусств России.

* Все высказывания Т.А. Шевченко здесь и далее из бесед с авторами статьи.

(Опубликовано в каталоге выставки «Татьяна Шевченко. Живопись». Москва, 1993).