Дар колориста

Сейчас много спорят, какой должна быть современная реалистическая форма у кого из наших предшественников нам следует учиться мастерству, какие их открытия нужно развивать, а от каких можно отказаться. Вопросы эти не отвлеченные. Мы сталкиваемся с ними ежедневно в мастерских, на выставках.

Я живописец и хотел бы поделиться некоторыми своими наблюдениями и мыслями, касающимися той области, которая нам наиболее близка.

Социалистический реализм — понятие емкое, многогранное и нельзя его сводить к какой-либо одной индивидуальной манере, к той или иной степени приемов и средств выражения. Мне кажется, что развитию нашего изобразительного искусства больше всего сейчас мешает ни на чем не основанный антагонизм между художниками разных творческих почерков. Этот антагонизм намеренно раздувается некоторыми нашими критиками.

Нужно сказать, что за последнее время со стороны некоторых художников заметно усилилась совершенно необоснованная, на мои взгляд, критика традиции русской колористической школы. А некоторые искусствоведы эту тенденцию поддерживают возводят в принцип. Правда, отдельные достоинства русской реалистической школы живописи снисходительно признаются, но великие колористические достижения ее замалчиваются или принижаются. О том какое значение колориту придавали русские живописцы, свидетельствует хотя бы известное высказывание Сурикова о том, что есть колорит — есть художник, нет колорита — нет художника.   Конечно мы теперь смотрим шире. Можно и не быть колористом в полном смысле этого слова и быть очень хорошим художником.

Не все, точнее немногие, художники наделены колористическим даром. Например, Коржев, Оссовский, Жилинский, Смолины не тяготеют к колористической направленности живописи. Они нашли каждый свой особый, вполне оправданный характером индивидуального дарования путь в искусстве, который позволяет выявить наиболее сильные стороны таланта каждого из них. И этот путь для них органичен.

Для меня очень дорога русская национальная колористическая школа, такие художники, как Суриков, Рябушкин, Bpубель, Серов, Коровин, Кончаловский. Из моих товарищей живописцев считаю наиболее близкими по взглядам, по подходу к решению колористических задач И. Сорокина, В. Цыплакова, А. Тутунова, Э. Браговского.

В нашей советской живописи существует стилевая ветвь, которая характеризуется лучшими произведениями А. Лактионова, Л. Бродской, Н. Соломина и других. По-своему стремятся решать задачи живописи некоторые молодые художники, такие, как П. Никонов и другие. Все это, как мне представляется, разные грани многообразной реалистической школы живописи. Одним словом, все мы, художники-реалисты, имея каждый свое видение, свою живописную манеру, свой язык, иногда с большими, иногда с меньшими успехами развиваемся в общем едином русле социалистического реализма. И нет никаких оснований кому-либо из нас свое творчество и творчество близкого нам круга художников выдавать за единственно плодотворное, перспективное в нашем советском искусстве.

Все названные мною здесь художники и многие не названные — талантливые люди, доказавшие это лучшими своими произведениями.

Но в результате многолетних дискуссий о судьбе станковой картины, о традициях и новаторстве — дискуссий большей частью бесплодных — многие одаренные художники стали терять вкус к колориту в живописи. Наблюдая за работой моих товарищей, особенно молодых, я часто задаю вопрос, почему люди, наделенные колористическим талантом, не используют свои данные, данные, которыми их одарила природа. Это похоже на то, как если бы певец, обладающий прекрасным, сильным тенором, стал петь не в полный голос, не используя все его оттенки, нюансы, все его возможности, а ограничился бы модной в наше время манерой эстрадного исполнения популярных песен. Естественно, это не может не вызывать тревогу за будущее нашей живописи. Не последнюю роль в известном охлаждении интереса к традициям колористической школы играют и трудности ее освоения. Не у каждого художника, даже одаренного, хватает характера последовательно и до конца идти этой трудной дорогой,

Молодежь много говорит сейчас о необходимости поиска, пытается создать новые, современные формы в изобразительном искусстве. Нужны ли такие поиски и возможны ли успехи на этом пути? По-моему, да. Не следует только ограничивать поиски одним направлением, как это делают некоторые сторонники декоративно-плоскостной или условно-цветовой живописи. Я пока не вижу ощутимых результатов творческих опытов в этом направлении и потому никак не могу согласиться с теми, кто на основании первых своих творческих попыток торопится объявить все, что было создано старыми мастерами и нашими советскими художниками в области живописи, устаревшим, отжившим, исчерпавшим себя.

Я считаю, что достижения и открытия лучших русских и зарубежных колористов так велики и многообразны, что нами не использована еще и сотая доля тех возможностей, которые предоставляют они для современного живописца. Их нужно изучать и изучать. Ведь жизнь, природа так богаты и разнообразны, они находятся в постоянном обновлении, развитии, и как не велико все то, что сделано старыми мастерами для раскрытия красоты явлений, бесконечного красочного богатства мира, на нашу долю осталось немало. А мы то и дело ставим под сомнение жизненность национальной русской и мировой колористической школы. Это совершенно неоправданно.

В самом деле, можно ли смотреть на колористическое наследие Тинторетто, Веласкеса, Веронезе, Рембрандта, Ренуара, Дега, Сурикова, Серова как на устаревшее, отжившее. Это кощунство. Колористическая школа живописи очень многогранна, сложна и неисчерпаема в своих выразительных возможностях, если, конечно, не понимать ее примитивно.

Я вовсе не хочу принижать возможности и значение творчества художников другой направленности. Но вместе с тем к хорошим талантливым художникам, таким, как Оссовский, Смолины, часто «примазываются» люди вовсе колористически не одаренные, не обладающие необходимым талантом и профессиональными навыками. Они-то и стараются дискредитировать классическую школу, а попутно бросают тень и на тех, кому стремятся подражать.

В их среде, вероятно, и возникло мнение, что с развитием цветной фотографии и кино нужно, мол, пересмотреть формы, приемы и средства живописи. Смешно, нелепо говорить о каком-то вытеснении живописного произведения фотографией.

Художник в каждом произведении не только изображает что-то, но и передает свое настроение, свои чувства, переживания, заостряя с этой целью наиболее характерное, главное, то, что он хочет подчеркнуть. Фотографии такой активный творческий подход к натуре не доступен. В произведении искусства всегда выявляется темперамент художника, его характер, его мировоззрение. Это происходит даже помимо его воли. Например, если одну и ту же модель пишут несколько художников, то ни один другого не повторит, каждый обязательно проявит свою индивидуальность, свое видение, каждый раскроет в этой модели что-то свое, неповторимо-своеобразное. Часто мы пишем вместе с Ю. Кацем одну натуру — это наша студийная работа. И даже когда оба стремимся предельно точно передать то, что видим, у меня получается более холодная, серебристая гамма, а у Каца — более горячая.

Природа наша безгранично великолепна в своем красочном богатстве. И если художнику-живописцу удается передать хотя бы одну тысячную ее очарования и красоты, открыть глаза людям на то, что тебя так взволновало, — это уже большая радость и, думаю, это радость и для зрителя.

В достижении этой цели никакая самая совершенная фотография не может превзойти художника, обладающего колористическим даром и владеющего мастерством реалистической живописи.

Но, как я уже сказал, есть художники иного склада, которые не стремятся к передаче непосредственно виденного. И их произведениями мы часто восторгаемся. Например, Ботичелли в своих линиях, в своей пластике великолепен.

Очень важно, чтобы сам художник почувствовал грань своего дарования. Было бы смешно, если бы я все силы и старания направил на то, чтобы создать картину, например, в манере Оссовского. Или, наоборот, Оссовский стал бы работать в плане того пленерного, колористического поиска, который присущ мне. Каждый художник должен знать сильную сторону своего дарования и развивать именно ее. Нужно оставаться самим собой и говорить своим языком. Всякое подражание глупо и смешно.

Большой помехой в нашем искусстве являются серые, безликие произведения, авторы которых берут важные темы, но не умеют их решить творчески, с применением всех богатых средств реалистической живописи. Думаю, будет полезно и для этих художников и для всего искусства строже относиться к профессиональной художественной стороне произведения. Каждое здоровое, содержательное творчество в общем большом потоке социалистического реализма, в едином потоке великолепного советского изобразительного искусства найдет своего зрителя. И чем шире, разнообразнее будут представлены в нашем искусстве разные творческие индивидуальности, тем ярче, интереснее и сильнее будут наши выставки.

(Опубликовано в журнале «Художник» №4. 1966. С.27-28).